En las neblinas del pensamiento oblicuo

Video Intervension Publica - Taller de introducción y planeación de video proyectos

2011-11-13T15:29:00.000-08:00

Concepto –

La video intervención pública tiene varias dimensiones:

–El video arte

–La intervención artística

–Arte urbano y público

Video Arte -

•Las primeras manifestaciones artísticas del video pueden fecharse desde la creación de esta técnica por Eadweard Muybrige en ‘Caballo en movimiento’ de 1878.

•Por medio de nuestra percepción del tiempo y de la secuenciación de imágenes causan la ilusión del movimiento, la cual causa que nos vinculemos con el video, o el cine de una forma personal e íntima muy distintamente a otras formas de arte.

La ilusión del movimiento es posible por la persistencia de la visión, la retención minúscula de una imagen por la retina después de que un estímulo es retirado, y nuestra percepción por la cual nosotros tratamos de crear sentido a lo presenciado.

En 1965 Sony Corp. saca al mercado la cámara Portapak.

1972 se crea el casette de ¾ de pulgada. Permite la edición y la transición a técnicas de producción televisiva para los artistas

• En 1980s con la evolución de nuevas tecnologías en la computación y cámaras más ligeras surgen nuevas formas de edición y también nuevos artistas que se apropian de tales herramientas.

• Nam June Paik artista Coreano genera el primer video sintetizador en colaboración con estudios de televisión pública.

Global Groove, 1987

• En el arte contemporáneo tenemos distintos medios junto con el video para generar propuestas distintas que hacen uso de los conceptos básicos del movimiento de imágenes para cautivar al espectador.

• Dara Birnbaum artista Americana hace uso de la video instalación junto con sensores de movimiento para ‘atrapar’ al espectador dentro de sus piezas de video arte.

Hostage, 1994

Intervención artística –

• La intervención puede ser cualquier interacción con algún elemento externo al artista: el público, espacios públicos o privados (la urbe, o galerías), e inclusive obras de arte de otros artistas.

• Los primeros en elaborar intervenciones fueron los Dadaístas y el movimiento del Fluxus lo retomo.

• Originalmente las primeras intervenciones se enfocaban a deslegitimar los objetos intervenidos.

• De esta forma la intervención contiene una naturaleza de subversión y de transformar las estructuras que conforman los elementos de control de algún sujeto o ideología.

• El performance es un claro ejemplo de esto.

• Alan Kaprow artista Americano en la década de los 50s y 60s empieza a generar los primeros performances que llama ‘happenings’

Yard, 1961, recreaciôn de 2009.

Fluids 1968, recreaciôn 2008

• Otro grupo de artistas que realizan intervenciones es ‘Pinto mi raya’ con Monica Mayer.

• Mayer ha realizado intervenciones y performances desde los 70s y considera que «lo que considero mis performances, míos de mí solita, son casi siempre una mezcla entre conferencia y acción. A veces la balanza se inclina más hacia un lado y a veces hacia otro, pero definitivamente es el formato en el que me siento más a gusto y que me permite integrar lo visual y el texto. El performance que más me interesa en esta vida, tanto como para hacerlo como para verlo, es el que rompe las definiciones y los formatos tradicionales.»

De Baches y Colecciones, 2001.

Arte público –

• El arte público o urbano tiene la naturaleza de apropiarse del espacio público para poder desarrollar instantes artísticos, donde suceden reflexiones con respecto al espacio que es intervenido y a las condiciones socio-políticas que se buscan referenciar con las acciones del artista sobre la urbe que lo rodea.

• Puede suceder por medio de distintas técnicas, la instalación, el performance, el arte acción, la video proyección, etc. Y origina principalmente con acercar al público a espacios alternativos que no se encuentren bajo la institucionalidad de los museos y galerías.

• La calle se convierte en un espacio libre para la experimentación, donde nadie puede gobernar lo que ocurre de manera legítima. Los eventos acontecen y la vida también se desarrolla en la urbe.

• Marcos Ramírez ‘Erre’ artista Mexicano que utiliza la urbe para desarrollar piezas que contienen un mensaje político que atrapa al público en reflexiones sobre la condición actual acerca del lugar y el tiempo en que viven.

Señales y/o Señuelos, 2010

Público y Político –

• Toda expresión contiene una dimensión política de parte del emisor.

• El arte conserva esta particularidad debido a la subjetividad que lo forma.

• Las piezas de arte que causan ruptura tratan de cuestionar el origen de los sistemas de arte con los cuales lidian los artistas mismos.

• Se salen de las estructuras y por lo tanto causan ‘ruido’ y atención a sus mensajes innatos.

Video Intervención –

• Como dice Deborg en ‘La sociedad del espectáculo’: ‘’debemos generar una intervención metódica basada en los factores complejos de dos componentes en perpetua interacción: El entorno material de la vida y los comportamientos del cual se levanta y de los cuales lo transforman radicalmente. ’’

• El uso de la video intervención significara que la selección de las imágenes a ser usadas por el artista deben responder también al objeto que será intervenido.

• Existen filosofías al respecto.

• La intervención que trata de evidenciar los sistemas institucionales los cuales se muestran envestidos los monumentos y edificios en las ciudades.

• Lo efímero de la intervención no opaca sus repercusiones en la psicoesfera que rodea a tales espacios, puesto que la intervención hace eco en la memoria de la población de manera colectiva, al igual que los monumentos físicos, la proyección se convierte en un monumento etéreo luminoso.

• Puede surgir la vinculación con los dueños de los espacios a ser intervenidos si es el interés del proyecto. Más no es necesario puesto que la video intervención no es considerado como una forma de arte ‘intrusiva’ como el grafiti.

Técnicas –

• Video Mapping

• Video interacción

• Video instalación y escultura

• Proyección publica

Video Mapping –

• El Video mapping surge como una técnica innovadora para resolver distintos problemas con respecto a los elementos que son proyectados en distintos objetos 3Dimensionales. Hace uso de software de computadora especializado y aparece en la última década de los 90s y principio del 2000 específicamente por parte de los VJs (video jockeys) que tocan en eventos.

• Desde su origen ha conservado su naturaleza comercial y de espectáculo, atrayendo a un número creciente de públicos y compañías.

• Existen artistas y empresas que trabajan con esta técnica para distintos motivos.

• VJSuave, Colaboración entre artistas visuales Ygor Marotta de Brasil, y Ceci Soloaga de Argentina.
"The idea starts in 2010, joining the plastic expression with digital art vjsuave transforms what used to be an empty space in a center of feelings.”

3Dscenica de España y NuFormer de Holanda también crean espectáculos utilizando software de edición y de manipulación 3D para elaborar trabajos más elaborados y visualmente atractivos.

Video Interacción –

• Con el arribo de sensores de movimiento, de calor y otras tecnologías para registrar el cuerpo humano, los artistas han visto que junto con el video la interacción entre las piezas de arte y sus públicos puede incrementar haciendo llegar los mensajes de los artistas más profundamente.

• La obra de Lynn Hershman Leeson artista y Educadora Americana ha desarrollado piezas desde el performance y la video interacción.

• En su trabajo más elaborado DiNA ‘Digital DNA’, 2004, la interacción surge con una suerte de inteligencia artificial y el público habla con la pieza.

• Con la inmersión de nuevos sistemas de interacción con otros seres humanos, la llegada del internet, cámaras móviles y celulares, los artistas también han reinterpretado estas formas de interactuar y han apropiado estas tecnologías para el arte.

• Camille Utterback artista digital Americana, hace uso de cámaras para que el público interactúe con las piezas de forma gestual.

Proyección pública –

• En la proyección pública se busca elaborar un vínculo entre el público y la ciudad.

• Sucede con distintas técnicas y herramientas visuales basándose en la proyección de imágenes o video sobre edificios y las calles como soporte.

• El tema de estas proyecciones puede variar conforme al artista que las realiza, pero en general siempre remiten a la relación entre la imagen proyectada y el objeto intervenido.

• El artista Fernando Llanos artista Mexicano junto con el LIA LAB (Laboratorio Interdisciplinario para las Artes) han realizo piezas como VideoMan que utiliza la proyección pública en conjunto con tecnologías robóticas y prótesis para facilitar la elaboración de sus propuestas visuales.

Video Instalación y Escultura –

El uso del video dentro de la escultura y la instalación se presenta como una necesidad de presentar elementos que muestren lo dinámico del video junto con lo espacial de la escultura. El video se muestra como un elemento que envuelve al espectador visual y temporalmente. Mientras que la parte escultórica de la instalación resuelve la necesidad de crear un espacio donde la interacción del público sea afrontada con relación a su cuerpo dentro de un espacio.

Artistas como Pippiloti Rist de Suiza, trabajan el aspecto teatral y cinematográfico dentro de sus instalaciones que al mismo tiempo narran por medio de la superposición y yuxtaposición de imágenes momentos relacionados con la percepción de instantes íntimos y sensibles. Haciendo uso del sonido, la proyección y la instalación para involucrar al público dentro de esta intimidad recreada.

A la belle Etoile, y Ever is Over.

Apropiación –

• Siempre ha sido el deber de los artistas el explorar y poner al límite toda tecnología y pensamiento que les parece pertinente para resolver y poner en cuestión a las formas de expresión y creatividad humana.

• Es un simple acto natural el que varios artistas hayan tomado y mejorado herramientas hechas para otros fines. El video es un claro ejemplo de cómo esta técnica ha sido altamente influenciada por artistas para el beneficio de la expresión artística y a la vez para la industria del entretenimiento.

Krzysztof Wodiczko –

• Artista Polaco. Mejor conocido por sus proyecciones públicas con temas altamente políticos y sociales.

• Utilizo las primeras técnicas de ‘mapping’ y ‘mask’ en la década de los 70s para intervenir con la proyección de imágenes a galerías y edificios comerciales.

• Al principio se preocupó por ‘salir’ de las galerías y preguntar la relación de las personas con los edificios con los que vive todos los días y pasa su vida dentro de estas arquitecturas.

Edificio Scotia. Halifax, Canadá, 1981

• Uso proyectores de acetato y recorto círculos en hojas para tapar el resto de la imagen que no le servía (masking)

• Luego uso cañones altamente luminosos y bocinas para poder lograr proyectar video en vivo e involucrar al público en la creación de sus piezas.

Ephemeral Hostal - La experiencia de la inexperiencia

2011-03-25T22:54:00.000-07:00

Se ocupa un espacio en la tierra y en la forma que habitamos sobre este lugar es como nos definiremos, no se trata de la relación entre lo que vemos y lo que tocamos solamente, sino de lo que es transgeneracional, lo que explica la razón de que contemos de un acontecimiento, fiesta o evento a alguna persona más, alguien que nos sirva de confesor para nuestros siniestros pensamientos y también grandiosas ideas. Acontece que también deben de existir este tipo de lugares 'confesionarios' para el arte y sus miembros. Lugares atemporales y efímeros (como todo en realidad pues nada es permanente sino cambiante, y si no es la arquitectura del espacio será el contenido de este el que cambia) donde la gente se manifieste de la forma en que solo el arte puede hacerlo. Hostal abrió este 25 de Marzo 2011 su puerta de cristal hacia el público. Un público compuesto principalmente de amigos y conocidos, personas interesadas en arte y lo que significa 'vivir del arte', gente nueva, niños, que serán la nueva generación de actores dentro de este ámbito también fueron llevados. Dentro de la Zona Centro en la ciudad de Mexicali en el pasaje Tlaquepaque #1126 se acontece lo que ya se había predicho por los antiguos y sabios gestores culturales de la escuela de artes e institutos de cultura, la generación de espacios alternativos por los egresados de las escuelas de artes. Te metes por los callejones del centro y buscas entre los edificios abandonados, negocios de medicinas naturistas, despachos de abogados y sindicatos a un pequeño refugio para las artes. Pero ¿Qué quiere decir el tan usado término 'Alternativo'? En el medio artístico principalmente en la escuela de Nueva York se habla de la 'Alternativa' como una forma de proponer opciones más abiertas y experimentales a las formas ya establecidas por los modelos institucionales (sin ser opuestos necesariamente), dando oportunidad a nuevos, emergentes, y ya reconocidos artistas de explorar estas inquietudes conceptuales. Ya visto resuelto y delimitado a este concepto tan problemático de 'Alternativo' vamos a ver como Hostal nos acerca a su propuesta dentro del ámbito de lo alternativo y a la vez se mantiene cerca en colaboración del ICBC y la Esc. de Artes UABC y otras instituciones locales.

Cuando llegas a tiempo a una exposición siempre te encontraras que llegas demasiado temprano. Sin preocuparte por estos detalles te das cuenta también en ocasiones de que lo que vas a experimentar no volverá ocurrir, la inauguración de un nuevo nicho del arte. Un proyecto que genero Marisol Valdez Gómez junto con Luz Yaneli Montiel. Ambas siendo egresadas de la LAP de la Esc. de Artes UABC y que según las palabras de Marisol, “La colaboración entre nosotras surgió debido a la necesidad de poder trabajar de lo que estudiamos y desarrollar un proyecto que requiriera el trabajar con más personas realmente interesadas […] trabaje con Luz en Aquí no hay nada, revista independiente sobre arte y me gustó mucho como trabajamos juntas y desarrollamos el proyecto juntas.”

Estas relaciones profesionales entre distintos actores del arte generan propuestas sinérgicas que crean inercia entre sus colaboraciones para poder expandir la oferta cultural en la ciudad, y en si en Baja California.

Y como diría Eduardo Arellano en Territorios de la plástica bajacaliforniana: “La plástica bajacaliforniana adolece de demasía [cantidad de obra producida]. Demasiadas exposiciones sin curaduría, demasiados protagonistas, demasiada poca reflexión sobre ella.” La generación de prácticas de curaduría y de critica que proponen exhibiciones y ofertas de calidad sobre la obra expuesta en ellas en si es una forma de contrarrestar esta anemia de contenidos injustificados en las prácticas artísticas.

Con este esfuerzo también vemos que la integración y generación de espacios se puede transferir a que surja una nueva propuesta artística y social. El espacio se convierte en la pieza de arte en sí misma. La teoría curatorial del arte se transforma ahora y actualiza a sí misma en estos espacios alternativos que en su propia manera y propuesta de proyecto generan una opción más a la creación del arte y que apoyan al mercado cultural de una comunidad, que en estos tiempos mediáticos incorporales se llegan a compartir en la comunidad global.

En Hostal vemos un proyecto que ha comenzado, es un inicio. Muy correcto es el instinto que lleva a nombrar a su primara exposición inaugural como Ephemeral: Arte Postal. Al que veamos un sueño que parece ser realizado pero en sí mismo parece mantenerse dentro de la dimensión de lo inmaterial pues todos los que sabemos sobre elaborar proyectos, el proyectar significa el soñar.

Ephemeral comenzó a convocarse a partir del primero de Diciembre 2010 y hasta la mañana de la inauguración según comentan algunos. A pesar de estos comienzos tan apresurados y preocupantes, la apertura pudo darse a tiempo y forma para que los presentes disfrutaran de la exposición. Se mostró obra de 38 artistas y creadores gráficos que enviaron su arte postal desde Argentina, Colombia, Puebla, Guadalajara, Chiapas, México D.F. , Mexicali, entre otros lugares también. Las obras de los artistas locales y extranjeros fue mostrada con una museografía azul y blanco de formato Wall tacking, que lleva a colocar las numerosas cantidades de obra en las paredes y mamparas sin (o poca) secuencia y grupo, agregando una percepción de diversidad y colaboración entre los artistas, teniendo sus raíces en el Independent group de Londres en 1953.

Las obras contenían las características de una postal, en la mayoría de los casos, y aunque no todas fueron enviadas por correo, en si conservaban esta potencialidad del transporte y comunicación a distancia que el Arte Postal requiere en su definición tradicional: El tamaño pequeño que implica esta movilidad por el correo, una dirección de remitente y destinatario, un sello postal, algo de texto o una imagen creada por el autor. Obra como la de María Fernanda Tapia García, Pablo Castañeda, Paulette, Gabriela Buenrostro, Mario Torres, Maricarmen Arroyo, Carmen Corrales, Karina Venegas, Lucila Rodarte, M. Miranda Marmolejo.

Un claro ejemplo de lo que me refiero con formato tradicional de arte postal son las piezas de María Fernanda Tapia García “Colección de mi cotidiano”. En donde ella creo postales a partir de su cotidianidad dentro del D.F. y que impera su definición propia de lo que constituyen los lugares turísticos: Su propio cuarto, una vista del Metro Ixtlacalco desde un puente peatonal, Zócalo, Museo de la Ciudad de México. “Para mí lo cotidiano existe a mi alrededor de muchas personas que se detienen a causa de un semáforo a observar a su alrededor. Es una pausa en el tiempo y el único testigo es el Zócalo.”

La obra de Maricarmen Arroyo Macías “De la serie Desplazamientos Identitarios, Bocetos” 2009, trata de un manejo muy claro sobre los conceptos de identidad que llevan los símbolos que reconocemos como propios y singulares pertenecientes a los individuos. Dibujos de bustos con sus rostros siendo remplazados por huellas digitales y otras piezas con siluetas dibujadas nos proponen el explorar lo que significa el ser yo, mi identidad y mi dirección. Lo mismo puede ser una huella digital, una firma o una dirección si implicamos que la construcción de lo que somos es por ende lo que los demás saben de nosotros mismos.

Karina Venegas mando una hoja de Chabacano con las direcciones y orillas bordadas. La forma en que fue mostrada en la exhibición permitió que a través del doble vidrio pudiéramos observar estos detalles con mejor cuidado y apreciáramos el detalle del bordado y elección de los materiales naturales.

Carmen Corrales envió obra que es fácil de reconocer, sus personajes inocentes que nos muestran una doble moral sobre el tratamiento de la vida misma y las circunstancias que implican el equilibrio mental y sentimental entre ellos. Un texto dentro de su pieza lee “El amor que viene, el amor que se va, el amor estúpido que nunca se queda”.

Otras obras se alejaban del aspecto de envió como seria las piezas de SOK que ocupaban un gran espacio dentro de la exhibición a pesar de no haber sido enviadas por correo pero contaban con esta potencialidad física que permite su trasporte. “El libro de niños para adultos” cuenta con dibujos a pluma y lápiz color de jóvenes sensuales, desnudos en posiciones implícitas y autoeroticas que se pueden ocultar entre los recortes de los paneles en las hojas que componen a este libro de artista, que en si presenta mucho el juego entre lo sensual y lo erótico de las formas escondidas entre estos elementos, nos lleva a pensar en lo excitante que puede llegar a ser el mirar a través del agujero y como es que los juegos de adulto se componen de una inocencia infantil que viene desde la frase ‘!No mires eso que es para adultos!’. Había niños circulando en la exposición, me hubiera gustado saber cómo observarían a la obra de Sergio Castellano [SOK] y si alguien repetiría esa misma frase.

Obra como la de Pablo Castañeda, Gaby Buenrostro, Mario Torres, Paulette, demuestran que lo grafico en lo postal es lo que define su imagen central y atractivo general al hacer uso de fotografías y diseño digital junto con texto en sus piezas.

Pablo Castañeda llevo a cabo una serie de fotografías en B/N sobre las postales que mostraban distintos entornos característicos de Mexicali con un caballo gigantesco pintado dentro de este espacio fotografiado. Un juego sobre el nombre con el cual se enviaba a la convocatoria, Hola Caballo.

Mario Torres [Phiasco] concibió sus piezas dentro del aspecto Local Mexicalense con “From Palaco with Love” que trae en sí mismo un juego irónico entre lo que constituye a una postal turística que traería atractivo a los extranjeros, cambiando digitalmente fotografías que simulan a las reales compradas en tiendas turísticas.

La cocaína simulando El Centinela la pieza de Fidel Hernandez (anteriormente creia que era de Phiasco) hace notar el problema local del narcotráfico y sus connotaciones en esta geografía fronteriza.

La curaduría dentro de la exhibición contempla que el espacio es nuevo, extraordinario al arte, particular a sus necesidades físicas y en si un desafío. Pero a pesar de las buenas intenciones del proyecto, todavía hay que considerar a los públicos y las singularidades de las obras con respecto a su presentación a este mismo público, que sin duda compuesto en su gran mayoría de la comunidad artística, se le debe reconocer por medio de la curaduría y museografía que tiene conocimiento especializado en este rubro.

Una exhibición de arte que contempla al público te presenta la obra de manera que este la pueda leer claramente y reinterprete a su percepción una idea propia que es expresada desde la obra del artista al público que realiza la lectura. Y adicionalmente la exhibición debe motivar a nuevos descubrimientos con próximas visitas. La intención de la exhibición es mostrar la obra por un mes pero sin duda lo mejor que aconteció fue la inauguración, la obra seguirá presente el resto del mes pero la pregunta es ¿Cuántos irán una segunda o tercera ocasión si la obra presentada de esta manera no deja espacio para reinterpretaciones y nuevas contemplaciones? El curador Robert Storr nos dice que “el espectador no debe de venir con la idea de que están a punto de ver un acontecimiento que solo sucederá una vez en la vida, pero mejor debe pensar que una exhibición es el comienzo de un encuentro renovable con alguien o algo que tomara mucho tiempo conocer bien y que probablemente nunca conoceremos por completo.” Así que sin duda no se debe de agotar a las piezas de arte por completo cuando son inauguradas, aunque también se contaba como la inauguración de Hostal.

A pesar de estas inexperiencias y detalles sin importancia que suceden en los comienzos de todas las trayectorias profesionales dentro de todos los ámbitos, se entiende que Hostal tiene calidad potencial y entusiasmo de parte de sus directoras Marisol e Yaneli. Elaborar proyectos de este calibre requiere mucho tiempo, presupuestos, juntas, acuerdos y organización, además de buenas ideas que surgen casi siempre sobre la marcha. Es un reto que no muchas personas ni Licenciados en Artes Plásticas deciden tomar sobre si mismos para ayudar a continuar con esto que me gusta llamar la rueda rodante y no-perdonante del arte y que varios académicos en esta región identifican como la falta de espacios dedicados a la reflexión y contemplación sobre arte que en si lleva a la desesperación para algunos los que se preguntan -¿Por qué no hay nada?- Pero si hay, las intenciones se encuentran sobre el aire solo faltan las colaboraciones y esfuerzos para realizar estas intenciones (que muchas veces solo se limitan a ser espontaneidades).

La propuesta de Hostal es abierta a la comunidad glocal artística que esté interesado a lidiar con las problemáticas que implican realizar propuestas artísticas a nivel profesional. “Si no se trata de perder el tiempo ni hacernos mensos” diría mi tío abuelo. Y de esta manera Marisol e Yaneli tendrán que sostener su promesa de mantener este espacio alternativo al ofrecerlo a los artistas para su uso y exploración.

El arte necesita de distintas voces que no solo repitan rumores, sino que propongan y colaboren entre sí para lograr propósitos comunes y sinérgicos. En esta región llena de calor y arena también hay arte y si necesitan hospedar sus ideas artísticas con forma y cuerpo por allí en el centro hay un Hostalito que quiero presentarles.

…………………………………………………………………………………………………………………………………………..

Ephemeral Hostal – The experience of the inexperience

It occupies a space on the ground and the way we inhabit this place is how we define ourselves, not only comes to the relationships between what we see and what we touch, but of what is transgenerational, which explains why we talk about an occurrence, party or event to someone else, someone to serve us as confessor for our sinister thoughts and great ideas. Must also happen that such places 'confessionals' exist for art and its members. Timeless and ephemeral sites (like everything in reality because nothing is permanent but changing, and if not the architecture of the space it will be the content of this one that changes) where people express the way that only art can.

Hostel opened its crystal door this March 25, 2011 to the public. An audience composed mainly of friends and acquaintances, people interested in art and what it means to 'live through art', new people, children who will be the new generation of actors in this field were also brought. Within the Zona Centro in the city of Mexicali in the passage Tlaquepaque # 1126 is happening what had been predicted by ancient sages and cultural managers of the school of arts and cultural institutions, the creation of alternative spaces for graduates arts schools. You go through the alleys of centro and looking between the abandoned buildings, herbal medicines business, law firms and labor unions into a small haven for the arts.

But what does the much used term 'Alternative' mean ''? In the artistic medium art primarily in School of New York they talk about the 'Alternative' as a way to propose open options and experimental forms to the institutional models established (but not necessarily opposed), giving opportunities to new, emerging and already known artists to explore these conceptual concerns.

Already been settled and defined this problematic concept of 'Alternative' let's see how Hostal brings us close to their proposal within the scope of the alternative while maintaining close collaboration of the ICBC and the School of Arts UABC and other local institutions .

When you get on time to a vernissage you will always find that you're too early. Without worrying about these details you also realize that sometimes what you will experience something that will not happen again, the opening of a a new niche of art. A project that was generated Marisol Valdez Gomez together with Luz Yaneli Montiel. Both being graduates of the BFA from the School of Art UABC and according to Marisol's words, "The collaboration between us arose from the need to work on what we studied and develop a project that required working with more people really interested [...] I had worked with Luz into ‘Aqui No Pasa Nada’ an independent magazine about art and I like the way we work together and developed the project together.

These relations between different actors in the art proposals generate synergies that create inertia among their collaborations to expand the cultural market in the city, and in Baja California.

And as Eduardo Arellano wrote about the arts in Territorios de la plastica Bajacaliforniana: "The Bajacalifornian plastic arts suffer from too much [quantity of work produced]. Too many exhibitions without curatorial insight, too many protagonists, too little reflection on it.” The generation of curatorial practices and of critiques that propose shows and quality offers about them inside the piece exhibited is in themselves a way in which to counter this unjustified content anemia in artistic practices.

With this effort we also see that the integration and generation of spaces may transfer the emergence of a new social and artistic proposal. The space is itself transformed with integration of the art piece. The curatorial theory about art is also changed now and updates itself in this alternative spaces that in their own way and project proposal, generate one more option to the development of art and support the cultural market of a community, which in these incorporeal medatic times, are found to be shared with the global community.

In Hostal we observe a project that has started, it is a beginning. The instinct that led to name their first inaugurational exhibition as Ephemeral: Arte Postal is a very accurate one. Because we see how a dream seems to become truly accomplished but in itself remains inside the immaterial dimension this is due because we all of us that know about elaborating projects, to project means to dream.

Ephemeral began to call for artists since the first of December 2010 and until the morning of the same inauguration as some accounted. Even though this rushed and worrying beginnings, the opening did start on time and shape so all the people present could enjoy the vernissage. Art pieces from 38 artists and graphic creators were displayed. They sent their mail art from places as Argentina, Colombia, Puebla, Guadalajara, Chiapas, Mexico city, Mexicali, and many other cities. The works of local and foreigner artists was displayed along a blue and white curatorship with the Wall tacking, that places the numerous quantities of work on the walls and without (or few) sequences and grouping, adding the perception of diversity and collaboration between the artists, this practice has its roots in the Independent Group from London in 1953.

The works contained the characteristics of a postcard, in most cases, although not all were sent by mail, they kept this potential transport and distance communication which is required by Mail Art in its traditional definition: The small size that implies mobility the mail, a sender and recipient address, a stamp, some text or an image created by the author. Works like Maria Fernanda Tapia García, Pablo Castañeda, Paulette, Gabriela Buenrostro, Efren de la Cruz, Mario Torres, Maricarmen Arroyo, Carmen Corrales, Karina Venegas, Linda Rodarte, M. Miranda Marmolejo.

A clear example of what I mean by traditional Mail Art formats are the pieces of Maria Fernanda Tapia Garcia “Colección de mi cotidiano." Where she created postcards from her daily living within the DF and her own definition of what constitutes tourist attractions reigns: Her own room, a view of Metro Ixtlacalco from a pedestrian bridge, Zocalo, Museo de la Ciudad de Mexico. "To me every day around the quotidianal exists there are many people who stop because of a traffic light to look around. It is a pause in time and the only witness is the Zocalo. "

The works of Maricarmen Arroyo Macías "De la serie Desplazamientos Identitarios, Bocetos"2009 is a clear handling on the concepts of identity that are the symbols that we recognize as belonging to their own and unique individuals. Drawings of busts with their faces being replaced by fingerprints and other pieces with shapes drawn intend us to explore what it means to be me, my identity and my address. The same could be a fingerprint, a signature or an address if you imply that the construction of what we are is therefore what others know about ourselves.

Karina Venegas sent an Apricot leaf with the addresses and edges embroidered. The way it was displayed at the exhibition allowed through the double glass we could see these details with better care and appreciate the detail of embroidery and choice of natural materials.

Carmen Corrales sent work that is easy to recognize, innocent characters that show a double morality on the treatment of life itself and the circumstances involving the mental and emotional balance between them. A text in her piece reads "Love that comes, love that leaves, stupid love that never stays."

Other works that were far way form the sending characteristic would be those of SOK that occupied a large area within the exhibition even though they were not sent by mail but contained within themselves this physical potentiality of mobility. . “El libro de niños para adultos” consists of pen and color pencil drawings of young, sensual naked people in implicit and autoerotic poses that could be hidden between the cut throughs on the paper panels that compile this artist’s book, that in itself presents mucho of the play between the sensual and the erotic of hidden shapes along these elements, it lead us to think about how exciting is to look through the peeping hole and how is that adult games are composed of childlike innosense that come from the phrase ‘!Don’t look at that, is for adults only!’. There were children around the exhibition, I would’ve liked to know how they would observed the works of Sergio Castellano [SOK] and if someone would also repeat that same frase.

Works as that of Efren de la Cruz, Pablo Castañeda, Gaby Buenrostro, Mario Torres, Paulette, show that the graphic in postcard is what defines its central image and overall appeal by making use of photographs and digital design with text in their pieces.

Pablo Castañeda carried out a series of photographs in B / W on the postcards that showed different surroundings unique to Mexicali with a gigantic horse painted within the area photographed. A play on the name which the call was sent to, Hola Caballo.

Mario Torres [Phiasco] conceived his pieces within local aspect of Mexicali with "From Palaco with Love" which brings in itself an ironic play between what constitutes a tourist postcard that would appeal to foreigners, changing photographs to digitally simulate the purchased in actual tourist shops. Cocaine simulating the Centinela in another of its pieces notes the local drug problem and its connotations in that geographical border.

The curatorial proposal within the exhibition space envisages that the place is new, extraordinary towards art, particularly its physical needs and in itself a challenge. But despite the good intentions of the project, still we have to consider the public and the peculiarities of the works with regard to their presentation to this audience, which undoubtedly consists mostly of the artistic community, it must acknowledge by the curatory and museography that they have expertise in this area.

An art exhibit that contemplates the public will present the work so that you can read it clearly and reinterpret your own idea that perception that is expressed from the artist's work to the public that reads it. And additionally, the display should encourage new discoveries with future visits. The intention of the exhibition is to show the work for one month but without doubt the best thing that happened was the opening, the works will displayed the rest of the month but the question is How many will be coming a second or third time if the work presented in this way leaves no room for interpretations and new contemplations? Curator Robert Storr tells us that "the viewer must not come with the idea that they are about to see an event that will happen only once in life time, but better to think that an exhibition is the beginning of a renewable acquaintance with someone or something that takes very long to know well and probably will never know completely." So certainly the work of art should not be exhausted completely when they are inaugurated, even though we were also counting the opening of Hostal.

Despite these inexperiences and minor details that happen in the beginning of all careers in all areas, it is understood that Hostal has the potential of quality and enthusiasm of its directors Marisol and Yaneli. Developing projects of this caliber requires a lot of time, budget, meetings, agreements and organization as well as good ideas that almost always are thought on the go. It is a challenge that not many persons nor Fine Arts graduates decide to take upon themselves to help continue with this I like to call the rolling and non-forgiving wheel of art and several scholars in the region identified as the lack of spaces dedicated to the reflection and contemplation of art in itself that leads to despair for some of you wondering - Why there’s nothing here? - But there is something here, the intentions are in the air just missing the contributions and efforts to realize these intentions (often only limited to be spontaneous quirks).

Hostal’s proposal is open to the glocal artistic community who is interested in dealing with problems involving developing professional-level artistic proposals. "This is not to lose any time and play fools" my great uncle would say. And so Marisol and Yaneli will have to hold their promise to keep this alternative space by offering it to the explorative needs and use of artists.

Art needs of different voices that not only repeat rumors, but propose and work together to achieve common goals and synergies. In this region full of heat and sand there is art also and you need to host your artistic ideas and with a body and shape there in the centro exists a Hostalito I would like to show you.

Este muerto está muy vivo / Weekend at Bernie’s: Como aprendí que cargar a un muerto es igual a reproducir sus obras anacrónicas

2011-03-13T03:43:00.001-07:00

Acabo de ver el tráiler de Weekend at Bernies y definitivamente creo que es posible por medio de una justificación estética el comprometer a los procesos del arte para que esta simplista y muy graciosa película de 1989 pueda servir de ejemplo para una reflexión sobre el arte del cual nosotros podemos compartir ideas de autovaloración y de conocimiento extra perceptivo. Esto lo veo tal cual me parece que la obviedad y ridiculez de los eventos relatados en el filme aun asi tienen algo que aportar a las artes y a la cultura en general. Tomemos a la premisa de la película para describir hechos que siguen presentes en el arte actual y que Jean Baudilliard también ha descrito en sus textos: Un personaje poderoso muere, dos agentes nuevos inmersos en el campo se introducen a el medio por consecuencia de inducción y el antiguo y más poderoso actor muere, pero los agentes no pueden dejar de paso que se encuentran dentro de un campo que no puede dejar de validar las prácticas y estatus del ya fallecido (o inactivo, no creador) actor, y la muerte de sus prácticas es negada, aun así es aplaudida todavía porque nadie reconoce que el defacto morto ha llegado a su finito.

Puede que la alegoría sea demasiado abierta y que sus símbolos se pierdan ante la incomprensibilidad del caos que los rodea. Pero tomemos en cuenta que en la semiótica los signos también se prestan a las relatividades que le otorguen los observadores participes dentro de la acción de codificación. Para muchos la muerte es representada como un fin, aun así el signo de muerte también culturalmente es marca de inicio y de continuum. Recordemos a todos esos artistas que siguen 'produciendo' obra a pesar que ya han fallecido. ¿Qué nos dice Bernie's sobre este contexto artístico y cultural que cuenta como base a una sociedad que se niega a enterrar a sus muertos para seguir revindicando a los valores que ya han muerto? ¿Podría ser que la vida es un adelanto y deuda de la generación pasada? Si respondemos que lo que nosotros ya tenemos como presente es un vestigio del pasado que se niega a ser enterrado tendríamos que pensar que la mismas preguntas alguna vez ya fueron hechas por generaciones pasadas y sabios antiguos. Esto es evidente en miles de textos religiosos, las preguntas y respuestas son de índole universal. La cultura local a la universal comparten estos vínculos transversales que las atraviesan por que sus costumbres provienen de conductas pre-racionales (con esto quiero decir, antes del pensar o razonar, cuando el primitivismo si acaso el cerebro primitivo o hipotálamo, era el que regía a las acciones del humano) las cuales no pueden dejarse a lado a pesar que sigamos avanzando por el fantasma del positivismo y el nuevo y popular constructivismo.

Bernie muere asesinado por que el campo lo necesita muere físicamente pero su cuerpo (ouvre) sigue presente y dos jóvenes toman el cadáver y transforman los viejos paradigmas por medio de su amigo que es un cadáver, el plan frustrado del medio para acabar con Bernie por parte de los asesinos (nuevas tendencias) es frustrado y convertido en nuevo porque ya no se trata de un solo agente, sino de varios que han actuado a base de las instituciones previas. Igual que como sucedió con Van Gogh después de su muerte, y con Basquiat también, el arte continua, el medio evoluciona y cambia, pero los viejos paradigmas se renuevan con la sangre de los que se atreven a participar y cambiarlos.

Al final de cuentas se trata de una fiesta en donde una presentación y un fin de semana vale más que toda la vida del artista, pese a que esta suceda aun después de su muerte y sea una conmemoración póstuma que revindique y quiebre a las concepciones de su época. El ejemplo de hoy viene de una película de finales de los 80s que sin embargo no nos deja más que una buena riza ante lo ridículo que parece ser cargar con un cadáver por casi más de una hora de filme, no olvidemos que muchos artistas siempre cargan con los cadáveres de varios artistas que ya fallecidos siguen siendo los que rigen el mundo del arte, Goya sigue produciendo después de centurias de muerto y los nuevos artistas tendrán que competir con estos grandes artistas de la historia, a pesar de esto la inspiración parece ser ajena a todo esto y sigue ayudando a los jóvenes artistas a crear su propia trayectoria, no olvidemos que lo importante sería que el cadáver del artista no sea una carga como lo es en la película, sino que sea más bien un amigo de parranda, como también lo es en la película, si los muertos pudieran hablar tal vez nos dirían que lo que hacemos con sus legados es lo opuesto a lo que ellos habían concebido en primer lugar. Nunca lo sabremos y eso es parte de lo que hace interesante a una trama como Weekend at Bernie's/ Este muerto está muy vivo y a las demás piezas artísticas que se basan en lo vintage y lo clásico.

……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………..

Weekend at Bernie's: How I learned to carry the dead is equal to reproduce their works anachronistic

I just saw the trailer for Weekend at Bernies and I definitely think that is possible through an aesthetic justification to compromise the art processes for this simplistic and very funny movie of 1989 can serve as an example for a reflection on the art which we can share ideas and knowledge of self-worth extra perceptive. I see this as it seems to me that the obvious and ridiculousness of the events depicted in the film they still have something to contribute to the arts and culture in general. Take the premise of the film to describe events that are still present in contemporary art and Jean Baudilliard also described in their texts: A powerful character dies, two new agents involved in the field are introduced to the environment as a consequence of induction and the oldest and most powerful actor dies, but agents cannot let pass found in a field that cannot fail to validate the practices and status of the deceased (or inactive, no operator) actor, and the death of their practice is denied, it is still applauded yet because no one recognizes that the defacto morto has reached its finite.
Perhaps the allegory is too open and that its symbols are lost to the incomprehensibility of the chaos that surrounds them. But take note that the signs in semiotics also provided to you grant relativities observers participate in the work of codification. For many, death is represented as an end, yet the sign of death is also culturally mark start and continuum. Remember all those artists who are 'producing' work despite already passed. What does Bernie's on the artistic and cultural context that has as a basis for a society that refuses to bury their dead to further vindicating the values that have died? Could it be that life is an advancement, and debt of the past generation? If we respond to what we already have as this is a vestige of the past that refuses to be buried should we think that the same questions once and were made by past generations and sages. This is evident in thousands of religious texts, the questions and answers are universal in nature. Local culture to universal transverse share these links that go through their customs from pre-rational behavior (by which I mean, think or reason before, when the primitive case the primitive brain or hypothalamus, was the governing to human actions) which cannot be left to side we move forward despite the specter of positivism and constructivism new and popular.
Bernie is killed because the area needed but your body physically dies (ouvre) is present and two girls take the body and transform the old paradigm by his friend who is a corpse, the foiled plan to end the half by Bernie part of the murderers (new trends) is frustrated and become again because it is no longer a single agent, but several who have acted on the basis of previous institutions. Same as with Van Gogh after his death, and also Basquiat, the art continues, the medium evolves and changes, but the old paradigms are renewed with the blood of those who dare to participate and change.
After all it is a party where a presentation and a weekend worth more than all the artist's life, although this happens even after his death and is a posthumous commemoration redoes and break the conceptions of his time. Today's example comes from a film of the late 80s but do not leave us more than a good curl to how ridiculous it seems to be carrying a corpse for nearly over an hour of film, do not forget that many artists are always loaded with the corpses of several artists who have died are still those who govern the world of art, Goya still occurs after centuries of death and new artists have to compete with these great artists in history, although this seems to be the inspiration alien to all this and continues to help young artists to create their own path, do not forget that the important thing that the artist's body is not a burden as it is in the movie, but is rather a friend of revelry, as so is in the film, if the dead could talk, perhaps we would say that what we do with their legacies is the opposite of what they had conceived in the first place. We'll never know and that's part of what makes a story interesting as Weekend at Bernie's and other artistic pieces that are based on the vintage and classic.

Ensayo sobre ¿Qué es y como es el campo de las artes plásticas en el noroeste de México?

2011-03-09T20:13:00.000-08:00

El arte que se desarrolla al norte más oeste del país es sin duda original en su concepción y además cuenta con valores propios que lo identifican del resto en sus particulares y también lo que lo distingue del producto del resto del país o del mundo. A pesar de que el número es poco de arte con calidad universal como diría Eduardo Arellano, la verdad es que las aproximaciones que realizan los artistas emergentes dentro de sus propias disciplinas también contribuyen mayormente al desarrollo y fomento de las artes en sus respectivas áreas locales, y también estatales e internacionales al tener en cuenta que su participación dentro de los circuitos del mercado cultural del arte los envuelve a que participen en distintas dinámicas que a la vez realzan a la región de donde pertenecen originariamente. Siempre se escucha del artista de origen Mexicano que está realizando una residencia artística en un país de extranjero. Esto nos lleva a ver la problemática que menciona Ehremberg sobre la inmigración de los potenciales artísticos que esta región tiene. Artistas que inmigran a otros lugares porque les parece que esta parte del país es provinciana y también carece de un supuesto contexto artístico mas acorde a los valores internacionles globalizados. Ellos llegan a envisionarse dentro de las metrópolis y centros de cultura como se les conoce al D.F., N. Y. y Paris (por no encontrar una abreviatura de Paris que entre en juego con las ciudades antes mencionadas). Este pensamiento es equivoco y a la vez centralista y también cerrado ante los fenómenos que ocurren no solo en distintas ciudades del mundo. En si el producto artístico del noroeste tiene un valor propio y de igual forma que como sucede en Haifa dentro de Israel, Chicago, Montreal, Yucatán, Sao Pablo, la Habana, y muchas más ciudades que tienen que competir con sus contrapartes mas famosas resaltan no por sus infraestructuras y condiciones de vida mejor, sino porque en si los artistas que producen y reconocen el valor de sus culturas aportan estos conocimientos por medio de nuevos medios de comunicación y redes sociales al resto del mundo demostrando que ahora la distancia no se trata de una limitación que sea debida por la geografía sino que la distancia ahora es por las preconcepciones que los demás fuera de estas ciudades tengan sobre el arte que es realizado dentro de estas ciudades que en realidad tienen algo que decir y que tiene una calidad que se podría comparar con el del ámbito internacional.

En Baja California, Sonora Y Sinaloa se alcanzan a ver las intenciones que tienen los actores dentro del campo del arte por dar a conocer sus artistas y obras a sus propios cohabitantes estatales y también al resto del mundo. Por medio de la difusión y apoyo a sus creadores. Con becas y en si por medio de sus muestras de arte como serían las bienales estatales y regionales. Aunque en una cosmovisión más apegada a la realidad del medio, parecería que los esfuerzos bien enfocados y también profesionales se encuentran limitados en número y periodos de tiempo entre ellos. Esto no quieres decir que se descarten a las muestras informales y también a las artes alternativas. Pero sucede que una aparente organización o ideología que mantenga una visión que conglomere las metas de identidad y apreciación por la propia identidad dentro del arte noroeste no es percibida actualmente. En si podría pensarse que es esta falta de pertenencia ante la situación de frontera la que puede llevar a esta condición de individualismo desorganizado que ha truncado el crecimiento cultural dentro de los estados que comprenden al Noroeste de México. Una cultura que termina donde comienza la carne asada diría José Vasconcelos. A un sin llegar a un desprecio total y descártate a los esfuerzos colectivos de varias personas dedicadas al arte, artistas, promotores, críticos, instituciones, en fin todo lo que se ha formado por décadas debido al trabajo de muchos, aun en esta región existen posibilidades para que surgiera y se siga produciendo nichos del arte. Nuevos profesionistas dentro de las artes que trabajan con los ya establecidos miembros del campo crean sinergias que impulsan al arte local y que a la vez está llamando la atención de los demás círculos del arte en el resto del mundo. Además debemos admitirlo, estas llamadas súper capitales del arte siempre se encuentran hambrientas de nuevas aportaciones que llamen la atención de sus siempre cosmopolitas y fáciles de aburrir habitantes, y una solución que encuentran es trayendo arte de fuera de lo que es ya conocido, por ejemplo de otras partes del mundo (curiosamente en un efecto de espejo inverso, el traer arte de N.Y. a estas ‘otras’ partes del mundo tiene un efecto de atracción de públicos similar al traer un número más grande de visitantes a una galería). La similitud entre todos los ámbitos artísticos por medio de sus prácticas resalta mucho la manera en que existen vinculaciones en las relaciones de los artistas e instituciones. Estas vinculaciones facilitan la comunicación entre comunidades artísticas de distintas partes del mundo sin importar sus identidades.

El campo de las artes en el noroeste sigue teniendo muchos espacios que aparecerían en blanco ante la falta de información sobre lo que sucede y sucedió en esta región. La mayor parte de este descuido es por una falta de crítica artística que reconozca y valore a los medios expresivos. Si la crítica se desarrollara de una manera plena esta partiría a dar a conocer al resto del mundo de lo que se tratan las artes en esta parte del mundo. El dialogo entre distintas comunidades artisticas es en parte comenzado por lo que los demás leen acerca del arte que es producido en otras partes del mundo en revistas y también medios electrónicos. El hecho de que los artistas se estén desarrollando cada vez más sobre sus productos artísticos no servirá de mucho sin que existan los medios críticos para poder dar a conocer y valorizar a estas piezas dentro de su contexto.

Existe mucha pintura, algo menos de escultura, cerámica, grabado, danza, teatro, pero de lo que vemos menos es cine producido y dirigido en esta región. Eso es una condición que recientemente se está tratando de cambiar con fondos y programas que enfocan al fomento de la producción cineasta.

El número de todo, artistas, críticos, curadores, académicos es limitado aquí por el momento, pero el potencial que tiene esta zona es muy elevado debido a muchos cambios sociales, tecnológicos y también artísticos de nueva cuenta.

.........................................................................................................................................................................

Essay on What is it and how is the field of visual arts in northwest Mexico?

The art developed in the north west of the country most certainly is original in conception, plus with its own values that identifies and distinguishes it from the rest of the country or world. Although the number of art products with universal characteristics is limited as Eduardo Arellano would say, the truth is that the approaches made by emerging artists within their own disciplines also contribute largely to the development and promotion of the arts in their local areas also the national and international ambient to be aware of their participation in the circuits of cultural art market with their different dynamics that simultaneously enhance the region where they belong originally. We always hear of Mexican-born artists who are doing an artist residency in a foreign country. This leads us to see the problems mentioned by Ehremberg about immigration of artistic potential that this region has. The Artists who immigrate to other places do this because they think that this part of the country's provincial and lacks an artistic context that plays along more in line with the international globalized values. They arrive with a constructed vision to the metropolis and cultural centers as they are known to Mexico City, N. Y. and Paris (I didn’t find a practical an abbreviation of Paris that comes into play with the aforementioned cities.) This thinking is wrong, yet centralist and closed to the phenomena that occurs not only a few cities around the world. Overall the artistic product of the Northwest has an unique set of values and as you would find in Haifa in Israel, Chicago, Montreal, Yucatán, Sao Paulo, Havana, and many more cities that have to compete with their more famous counterparts not for its infrastructure and living conditions better, but because if the artists who produce and recognize the value of their cultures bring this knowledge through new media and social networks to the world proving that now the distance is not a limitation that is caused by physical geography but the obstacle is now the preconceptions of others outside these cities are about art that is performed within the cities that actually have something to say and has a quality that could be compared to the international arena.

In Baja California, Sonora and Sinaloa we get to see the intentions that the actors in the field of art try to raise awareness about their artists and works of art to the rest of the state cohabitants and the world. Through outreach and support to their creators. With grants and whether through its art exhibitions and would state and regional biennials. Although a worldview more attached to the medium’s reality, it seems that well focused and professional efforts are limited in number and time periods between them. This does not mean that the informal shows should be discarded and also the alternative arts. But as it happens, an apparent organization or ideology that conglomerates and holds the goals of identity and appreciation for one's own culture within the Northwest art is not perceived right now. One could think that it is this lack of belonging due to the border situation which may lead to the disorganized condition of individualism that has truncated the cultural growth within the Northwest states that comprise Mexico in the recent decades. “The culture ends where the carne asada begins” would José Vasconcelos say. Without reaching a total disregard and throwing away the collective efforts of several people in the arts, artists, promoters, critics, institutions, in short, everything that has been done for decades of work by many, even in this region there were conditions in which art raised and it is possible for it to continue producing art niches. New professionals in the arts who work with established members of the field to create synergies that promote local art and which in turn is attracting the attention of other circles of the art in the world. Furthermore, we must admit, these so-called super art capitals are always hungry for new contributions that draw the attention of their ever-cosmopolitan and easy to bore citizens, and a solution found is bringing external art of what is already known to their own, for example from other parts of the world (curiously in a reverse mirror effect, bringing art from NY to these 'other' parts of the world has a public attraction effect similar by bringing a larger number of visitors to a gallery). The similarity between all artistic fields through their practices highlights how much there are links of relationship between all the artists and institutions around the world. These links facilitate communication between artistic communities around the globe regardless of their identities.

The field of the arts in the Northwest continues to have many blank spaces that appear in the absence of information on what happens and how it happened in this region. Most of this oversight is a critical lack of artistic recognition and appreciation to the means of expression. If the art critique was to fully developed this would lead to recognize to the rest of the world about what the arts are in this part of the world. The dialogue between different art communities is partly begun by reading about art that is produced in other parts of the world in magazines and electronic media. The fact that artists are developing more and more about their artistic products will not do much without the existence of critical media to raise awareness and enhance these pieces in their context.

There is a lot of paint, rather than sculpture, ceramics, printmaking, dance, theater, but less is what we see about film produced and directed in this region. That is a condition that is recently trying to change with grants and programs that focus on the promotion of the film production.

The number of all, artists, critics, curators, academics is limited here at the moment, but the potential of this area is very high due to many social, technological and also artistic accounts.

Vernissage

2011-03-05T20:13:00.000-08:00

(vêr'nî-säzh') del frances vernis, varnisar.

Se define como el evento previo a una exhibicion de arte y ha sido practicado por centurias por los artistas del mundo.

En la actualidad se considera sinonimo de inauguracion pero igual puede mantener su concepcion tradicional al ser una muestra previa abierta solo a un publico privado, mientras que la apertura suceda al dia siguiente.

Si alguien le importa hacer uso de esta palabra puede interpretarse como indique la situacion.

Aqui se usara como sinonimo de apertura.

(vêr'nî-säzh') from the french vernis, varnish.

It is defined as the event previous to the an art exhibition and has been practiced by artist around the world throughout the centuries.

In the actuality it is considered a synonym to inauguration but it can keep its traditional meaning as well by displaying a private show previously to the opening, while the exhibition opening will happen the next day.

If somebody cares to use this word it can be interpreted as the situation dictates.

Here it will used as the synonym of opening.

Desde la piel y desde el Valle.

2011-03-05T19:49:00.001-08:00

Te subes a un camión y después de una hora y poco más te despiertas de la siesta y bajas en el Ejido Oaxaca. Allí encontraras entre todo el verde del campo y el cielo tan claro al Centro Cultural Arca. Un proyecto que nació en el 2010 por la iniciativa de Gabriela Buenrostro. La participación de varios elementos en coordinación con Gaby Black (como también es conocida la artista plástica, estudiante de la Licenciatura en Artes Plásticas de la Escuela de Artes de la UABC, y Directora de Arca) lograron que surgieran exhibiciones formales de arte en el Valle de Mexicali donde anteriormente fue la primera casa del Ejido. Lo importante de resaltar es que con mi primera visita a Arca me siento muy impresionado como la identidad del Valle no es perdida ni suprimida por las metodologías que se utilizan en tantas galerías de la ciudad y del resto del mundo. El Valle es el Valle y la invitación es abierta a todos.

"Desde la piel" es el título de la exhibición inaugurada el 25 de Febrero al 25 de Marzo 2011. Muestra del Tatuaje, arte alternativo realizado por Chino Tattoo. Con obra de Abel, Beto y "Chino".

Cuando llegamos la inauguración estaba planeada a suceder a las 17 horas, pero como ya sabemos en Mexicali, el tiempo es relativo. Cuando se dice que llegues a una hora, todo el mundo espera llegar más tarde. Esa es la costumbre en estas tierras y como tradición se siguió en esta ocasión por los artistas. En definitiva la dinámica que surgió después de que todos se reunieron fue muy inteligente. El ambigú se sirvió primero y la apertura de la exhibición sucedió después. ¡Qué maravilla! Todas las muestras de arte deberían seguir el ejemplo de Arca. Y no hablo primero del ambigú por que la obra quedaría en segundo lugar, sino que como ya mencione esto sucedió primero, así que vamos en orden. El ambigú que se ofreció al público y artistas fue preparado por la familia amiga de Gaby. Ensalada de cueritos, Pastelitos de atún, ensalada de coditos, agua de Jamaica, el ponche estilo ICBC y el postre pastel con fresas. Hay que reconocer el esfuerzo que fue dado a la logística que planeo tal deleite y a las cocineras. Las consecuencias de que este suceso haya ocurrido primero antes de la exhibición fue que como llega a suceder cuando la mayoría de las personas por estar en sus asuntos no planean su comida y llegan a las inauguraciones se encuentran dentro de la exhibición distraídos por el hambre y esperan el momento de que abran las mesas del ambigú. La estrategia que sucedió en Arca al servir primero el ambigú y luego contemplar la obra ayudo a que el público solo se enfocara en ella.

Ahora hablemos de la obra. La colección presentada para la exhibición apoyada por el Instituto de Cultura de Baja California contiene fotografías, registros de bocetos usados en tatuajes, instalación de maniquís y muñecas con diseños pintados sobre sus cuerpos plásticos todos de los tatuadores de Chino Tattoo, además de esculturas de Gaby Black. La propuesta museográfica es de registro de obra al mostrar fotografías del trabajo de los tatuadores sobre sus modelos y clientes. Vemos tatuajes de peces coy al estilo japonés con colores calidos y frios, bustos de mujeres bellas con flores y sus rostros pintados de calavera al estilo folklórico mexicano del Día de muertos, calaveras y serpientes, trabajos de Chino. En la segunda parte de la exposición hay obra de Abel y Beto, que en su estilo vemos una representación de Quetzacoatl siendo tatuada en un cliente. Al contemplar la obra desde esta forma se incide en las teorías institucionales del arte, al posicionar objetos en ambientes galeristicos estos se contemplan como objetos de arte, y muy desde una visión investigadora como se ha visto en CIC Museo, las acciones de los tatuadores son presentadas tal como ellos las representan sin ser 'RE'presentadas de nuevo con una visión artística distinta al que los autores están acostumbrados a realizar. La curaduría se enfocó a mostrar el trabajo de los artistas tatuadores dentro de su propio medio, el tatuaje, sus herramientas como maquinas tatuadoras hechas por Abel, y fotografías donde se muestran realizando tatuajes igual que body paint. Como menciono Gaby, la obra llego por parte de una colaboración entre los artistas que prestaron su obra para Arca y la iniciativa de Gaby y la ayuda de Valeria Valdovinos Solis, Israel Ortega representando al ICBC.

La intención de la exhibición es de traer a la comunidad del Valle ejemplos de arte que contempla a la alternativa del clásico. La opción de poder considerar otras valoraciones artísticas que no sean solamente las tradicionales. El tatuaje como un ejemplo de esta valoración al ser considerado una expresión del orden alternativo se ve como un ideal ante esta curaduría que decide traer el trabajo de Chino Tattoo a la población del Ejido Oaxaca. Es interesante también mencionar que no solamente es traer arte realizado fuera del Valle al mismo Valle, sino que también a traer a la población de la ciudad a él. Las comunidades del Valle también tienen aportaciones culturales que son apreciadas por su originalidad y propia idiosincrasia que al resto de nosotros que no habitamos el valle nos lleva apreciarlo por lo que es.

Como Gaby me menciono: "El arte es apreciado aquí por la comunidad, existe la necesidad de talleres artísticos que no los encuentras aquí, y la gente está interesada en aprender nuevas cosas."

El proyecto del Centro Cultural Arca por Gaby Buenrostro es de alta importancia para la comunidad artística y del Valle en general debido a que no solo explora como las formas de exhibición y de apreciación artística/cultural ocurren dentro del poblado del Ejido Oaxaca y sus aledaños, sino que también moviliza a las personas de la ciudad a que visiten el valle por su oferta cultura propia. No puedo esperar para la próxima exhibición que se planea para el próximo mes de Marzo donde habrá otra muestra de arte alternativo. Graffiti será mostrado sobre las paredes de la antigua casa que ahora fue convertida en Arca. Parece que las formas de ruptura dentro del arte sucederán a las periferias de la ciudad con eventos ocurriendo fuera de los espacios establecidos y con nuevos espacios dedicados al arte como Arca. Además de que fue muy divertido el estar presente, donde hubo arte, música, comida, baile y la única inauguración donde hubo dos fogatas al mismo tiempo (anterior solo había disfrutado de una a la vez).

From the skin and from the Valley.

You get on a bus and after a little more than an hour you wake up from a nap and get down in the Ejido Oaxaca. There you will find among all the green countryside and the sky so clear the Arca Cultural Centre. A project that began in 2010 on the initiative of Gabriela Buenrostro. The participation of several elements in coordination with Gaby Black (as the artist, student of the Bachelor of Fine Arts School of Arts, UABC, and Director of Arca is also known) were able to emerge as a formal art exhibitions in the Valley of Mexicali located where the first house of the Ejido was erected. The important thing to note is that with my first visit to Arca I'm very impressed as the Valley's identity is not lost or suppressed by the methodologies used in many galleries in the city and around the world. The Valley is the Valley and the invitation is open to everyone.

"From the skin" is the title of the exhibition opened on February 25 till March 25, 2011. Tattoo works, alternative art by Chino Tattoo, with work of Abel, Beto and "Chino."

When we got there the opening was planned to happen at 17 hours, but as we know in Mexicali, time is relative. When you say you will get there in a certain hour, everyone expects a late arrival. That is the custom in these lands and a tradition was followed here by the artists. In short, the dynamics that emerged after this all came together were very smart. The buffet was served first and the opening of the exhibition happened next. How wonderful! All vernissages should follow the example of Arca. And I am not talking about the buffet first because the work would be second matter, but as I mentioned this happened first, so we are in order. The buffet offered to the public and artists was prepared by the Gaby's friend's family. Pork skins salad, tuna pastry, macaroni salad, water of Jamaica, ICBC style punch, and dessert cake with strawberries. We must recognize the effort that was given to the logistics of such plan and also the cooks delight. The benefit of this happening before the opening was that as it may even happen when most people being in their own affairs do not plan their meals and come to the openings hungry are distracted by hunger and expect when they open the tables offering the buffet. The successful strategy in Arca of serving the buffet first and then contemplate the work of art helped the public to only focus on it.

Now let's talk about the works of art. The collection presented for display founded by the Institute of Culture of Baja California contains photographs, sketch records used in tattoos, installations of mannequins and dolls with painted designs on their bodies, and also sculptures from Gaby Black. The proposed curatorial exhibition is of registry of works by showing photos of the tattoo artists working on their models and clients. We see Coy fish tattoos in Japanese style with warm and cold colors, busts of beautiful women with their faces painted in style of Mexican folk skulls Dia de Muerto and flowers, skulls, snakes, Chino's work. In the second part of the exhibition is the work of Abel and Beto, in this style, we see a representation of Quetzalcoatl being tattooed on a customer. To contemplate the work from this way affects institutional theories of art, by positioning objects in gallery environments these are seen as objects of art, and most of the photographs from a research vision as seen in the CIC Museum, the actions of the tattooists are presented as they represent them without being 'reworked' again with a different artistic vision which the authors are not used to make. The curator was focused on showcasing the work of tattoo artists in their own environment, the tools and machines made by Abel, and photographs showing tattooing as body paint. As Gaby mentioned, the work came from collaboration between artists who lent their work to Arca and Gaby's initiative, the assistance of Valeria Valdovinos Solis, and Israel Ortega representing the ICBC.

The intention of the exhibition is to bring to the valley's community examples of art from the classic to the alternative and the option to consider other artistic values that are not only the traditional ones. The tattoo as an example of this is to be considered as an expression of the alternative order is seen as an ideal example to the curator who decided to bring the work of Chino Tattoo to the people of the Ejido Oaxaca. It is also interesting to note that not only art made outside the Valley is brought to the Valley itself, but also brings people from the inner city to the Valley. Valley communities also have cultural contributions that are valued for their originality and idiosyncratic as the rest of us who don't inhabit the valley brings us to appreciate it for what it is.

Like Gaby mentioned me "Art is appreciated here by the community, there is the need for artistic workshops that are not located here, and people are interested in learning new things."

The Arca Cultural Centre project by Gaby Buenrostro is of high importance to the artistic community and the Valley in general because it explores not only the ways to display and appreciate of the arts/culture within the population of the Ejido Oaxaca and surroundings but also mobilizes people of the inner city to visit the Valley because of its cultural offer. I cannot wait for the next exhibition that is planned next March where there will be another example of alternative arts. Graffiti will be displayed on the walls of the old house that now has been remodeled as Arca. It seems that the new ways of the art will happen on the outskirts of the city with events occurring outside the established areas and new spaces dedicated to art as Arca is. Apart from that it was fun to be present during the vernissage where there was art, music, food, dance and the my only opening where there were two bonfires at the same time (previously I had only enjoyed one at the same time).

Por[que de] la critica de arte / Why [of] Art critique

2011-02-22T23:26:00.000-08:00

Para comenzar a razonar entre lo que vemos y sentimos debe de haber una fijación por la palabra escrita.

El lenguaje que se maneja en la crítica de arte es el del visual literario, donde leemos la información y la entendemos según los signos que logramos descifrar por el significado que traen esos símbolos escritos que podemos entender. En lo visual sucede lo mismo exceptuando lo literal de lo gráfico, nos percatamos de que existen diferencias superficiales ante lo que se nos presenta. Después de todo, es una comunicación lo que se trata de lograr. Un intercambio dialectico entre el artista y su público.

Sin embargo como sucede con todo lo que tiene sus propias reglas y procesos a descifrar, el arte con sus propios métodos, códigos y conductas tiene inevitablemente que ser teorizado y ‘traducido’ para que todos entendamos este lenguaje. La literatura escrita jamás podrá remplazar a lo visual, pero el intento no deja de ser algo interesante y por lo tanto que permita lograr algo de conocimiento en el trayecto.

Si pensamos que estamos por adelantar a los tiempos y cambiar las cosas para bien de lo que consideramos ‘sociedad’ nos veremos en una gran tarea monumental que ni siquiera en una vida entera podría vislumbrarse a tales fines. ¿Quién puede responder de qué sirve el arte? O mejor aún ¿Cómo se come? Se puede digerir el arte, se puede masticar y probar, se puede oler y en base a nuestros sentidos determinar su calidad. La ‘digestión’ de este producto social que llamamos arte será de índole mental y conceptual. Volvemos a ver y volvemos a consumir arte. Pensamos en algo que nos dejó la obra de algún artista y la estamos consumiendo de nuevo. En ningún momento de nuestra vida estamos separados de eso que llamamos arte, es parte integra del ser humano y si consideramos tener un sentido del gusto, allí un poco de arte estará haciendo su presencia.

¿Cuantos de nosotros han visto en persona alguna pintura famosa por algún autor famoso? En algunos casos son contados los números y en la gran mayoría vivimos atravez de las reproducciones que se nos presentan en alguna vajilla o pintura de comedor. El motivo de esta obviedad seria que pudiéramos darnos cuenta de que alguna parte obtenemos referencias que nos hacen ‘gustar’ de estas reproducciones. Lo más común es sin duda el eco de las críticas que dieron voz a las obras que tanto vemos. Los girasoles de Van Gogh que venden en las tiendas remiten el mismo sentimiento que las originales, el éxito de que sean tan populares se debe a que todo el mundo las reconoce porque la crítica de arte lo ha logrado de esta manera.

Pero estos momentos simples no dejan mucho a la exploración de grandes momentos del arte por parte de la crítica. Eso ya paso y vemos que siempre habrá otras obras que sean creados y la gente quiera comprar aunque sean solo reproducciones baratas (aunque útiles).

La crítica o teoría del arte tiene que hacer de escritos que le den su propia autonomía. Imaginemos que es un ente vivo que respira, consume y a la vez produce, sueña y crece. Si este personaje, que vive en otra dimensión una no material sino conceptual, depende de nosotros para desarrollarse o perecer, lo que nuestras acciones e inacciones cambiara la figura que obtenga la crítica dentro de nuestra concepción mental. Nos gusta o no, está bien alimentada y nutrida, o esta escuálida y no contiene suficientes ideas. Eso dependerá del público y sus exigencias, si quiere algo bueno tendrá que exigirlo.

La crítica sirve de guía para todos. Para el artista que odia/ama lo que lee de su obra, para el público que necesitara de un marco referencial que aporte un valor más extraordinario a lo que puede mencionar la pieza de arte que ha sido expuesta. Pero además a que se hable un poco más de objetos que en verdad son interesantes, lo inevitable es que estos objetos hablan más de nosotros mismos que los programas televisivos y las encuestas mediatizadas.

Las anécdotas, metáforas, o analogías sirven de herramienta literaria para la crítica. El momento en que se cuenta lo que se vivió ante un evento artístico se vuelve más real y palpable para quien lo lee. Y esa es la intención, el arte no está lejos de las acciones humanas como lo es el acto mismo de leer una revista o pasear por las calles, es inseparable de la vida misma y esta aporta en viceversa ante lo que el arte necesita. El observar y registrar esos eventos se convierte en lo que le sigue. La crítica le sigue a la creación y en ocasiones, muy atenta se propone a presagiar lo que vendrá.

A modo de finalizar este texto y sin darme a redundancias solo lo repetiré una última vez. La crítica es importante y sin ella no podemos apreciar el arte de una forma plena. Ya lo dije. Y si no les gusta allí están los comentarios que igual sirven como una crítica, así que esto es inevitable. El criticar puede incluirnos o exiliarnos de las sociedades donde vivimos, todo depende de que tan apasionado se escriba y que tan lejos se quiera ir con ello. Yo quisiera explorar el límite y de regreso.

.........................................................................................

To start to reason between what we see and feel there must be a fixation for the written Word.

The language used on the art critique is of the literary visual, where we read the information and understand according to the signs that we succeed in deciphering the written ones that we comprehend. On the visual the same happens, except that we are talking about graphics and not literal icons, we perceive of the superficial differences of what is in front of us. After all, it is communication what is intended, a dialectical exchange between the artist and his public.

Never the less, as it happens with everything, art has its own rules and processes to decipher, with its own methods, codes and behaviors, it unavoidably has to be theorized and ‘translated’ to all of us to understand this language. The Written literature will never replace the visual, but trying does not leave out some interesting results and thus obtaining some knowledge on the way.

If we think that we are jumping ahead of times and changing things for good in what we consider ‘Society’ then we will see ourselves on a monumental task to fulfill, not even a whole life would be enough to accomplish some of these goals. Who could answer what is the use of art? O better yet, how do you eat it? Art can be digested, it can be chewed and tasted, it can be smelled and based upon our senses determine its quality. The ‘digestion’ of this social product that we call art would be mental and conceptual. We see art again and again we consume art. Thinking about something that a work of art of some artist has left inside us and we are consuming it again. At any moment in our lives we are a part of this thing we call art, it is an integral part of being human and if we consider having a sense of taste then art is making its presence during that moment.

How many of us have seen personally some painting of a famous author? In certain cases the numbers are short, and the majority of the time we live through reproductions that are presented to us in form of tea plates or dinner room paintings. The motive behind these obvious remarks would be that we should recognize somehow that from somewhere we obtain the references that make us like those reproductions. The most common would be echoes from past critiques that gave voice to the works of art that we see so much. Van Gogh’s sunflowers that are sold in stores reminisce the same feelings as the originals; the success of them being so popular must be that everybody can recognize them because the art critique has managed to do in this fashion.

But these simple moments don’t leave much to the exploration of the bigger ones from the art critique’s view. This has already happened and we see that there will always be other art works that will be created and people who want to buy them, even if it’s only on the shape of cheap reproductions (on utilitarian objects).

The art critique or theory has to create writings that give itself an autonomous existence. Imagine that it is a living entity, it breaths, consumes and at the same time produces, dreams and grows. If this character, that lives in another non-material but conceptual dimension, depends on us to develop or die, whatever our actions or inactions will change the shape the art critique obtains. We might like it or not, it is well nourished and healthy, or is thin and without enough ideas. That depends on the public and its demands, if it wants something good it will need to demand it.

The critique will help as a guide to everyone. To the artists who hates/loves what he/she reads about the work, to the public that needs a referential description that gives more value to what the exhibited piece might declare. But furthermore to speak about objects that are really interesting, the unavoidable is that these objects also speak about us than tv shows and mediatized polls.

Anecdotes, metaphors, or analogies might serve as literary tools for the art critique. The moment which told about an artistic event becomes more real and reachable to who reads it. And that is the intention, art is not far away from human actions as is the sole act of reading a magazine or walking through the streets, it is indivisible from life itself and it brings back to it as art needs it. Watching and registering these events becomes what naturally follows. The critique follows creation and sometimes, very acutely predicts what’s to come next.

In a way to end this text and without giving more redundancies I am just going to repeat myself one last time. The art critique is important and without it we can’t appreciate art as a whole. I said it. And if you don’t like it there is room for commentaries that at the same time serve as critiques, so it is unavoidable. Critiquing might include or exclude us from the societies we live in, it all depends on how passionate it is written and how far one plans to go with it. I would love to explore the limit and back.

La Dialéctica de Hegel para Niños (y tambien para los dummies)

2008-06-03T01:04:00.000-07:00

Si tenemos que entender algo acerca de la dialéctica de Hegel es que la dialéctica es una palabra con muchos significados, muchos colores. Y también ahora tendremos que decir lo que es contradecir. Igual que gato y perro no son iguales y gata no es igual que gatos estos siguen siendo gatos (Identidad), de la familia de los felinos. Igual que también tienen colores diferentes y tamaños diferentes (Diferencias). Es ver las cosas con más detalle de lo que en simple vista parecerían. Pensar que existen mas cosas.

¿Que animal es? Un gato
¿Por qué? Por que no es un perro (ni ningún otro animal)
(Con este movimiento de ideas podemos ver que la contradicción lleva a más análisis y profundizaciones)
¿Por qué no es otro animal? Por que no son iguales
¿Qué los diferencia? El gato es pequeño, con orejas puntiagudas y hace miau.
Ya que quedo claro que es un gato seguirán más cuestiones y contradicciones)
¿Será gato o gata? …

Si bien ahora tenemos al gato como un ejemplo del principio de lo que es la dialéctica de Hegel, pero hasta ahora solo hemos empezado con ella.

Ahora que entendemos la identidad, la diferencia y la contradicción falta saber la transición de cada uno hacia el otro. ¿Como es que el animal se convierte en gato?

Vamos a decir que “Todos los animales pequeños con orejas puntiagudas que hacen miau son gatos”

Esto va hacer la totalidad o sea una verdad.

¿Pero como llegamos a esta totalidad?

Por el pensamiento dialéctico de Hegel hacemos una conexión de lo que hace a un gato o por lo menos a todos los gatos que hemos visto. Es decir que si nunca hemos sabido que es un gato, ni lo hemos visto, entonces podríamos decir que no es un gato. Alguien más podría también decir que como han visto a otros animales que concuerdan con esas características y no son totalmente gatos. Como no son gatos los cachorros de león u otros felinos, inclusive hay perritos que tienen orejas puntiagudas y hacen miau. Esto es una parcialidad, el buscar mas cosas en una totalidad.

Por contradicción se buscara una verdad mas completa. Y se seguirá dialogando (hablando) de que es en realidad un gato.

Para saber que es realmente algo veremos como parte de la realidad ala esencia y la existencia. Esta esencia es decir que es lo hace que el gato actué como un gato y no como otro animal.

Los gatos hacen miau y ronronean cuando están felices pero los perros hacen guau y mueven la cola.

La existencia es decir simplemente que la cosa de la hablamos existe físicamente, se puede tocar, oler, escuchar y probar. En la realidad unimos la esencia y la existencia para hacer a una cosa completa y así llegamos ala síntesis.
“El gato no puede ser gato si no es pequeño, con orejas puntiagudas, hace miau y actúa como gato y no un perro”

Todo lo que usamos para llegar a una verdad sobre cualquier cosa (gato por ejemplo) nos lleva a una conclusión, un final.

Por eso tenemos el pensamiento dialéctico de Hegel para buscar mas afondo acerca de las cosas y así no quedarnos con la verdad superficial e incompleta utilizando este camino de preguntas, ideas, contradicciones y soluciones para comprender como llegamos a estas verdades o como llegamos a saber que es un gato en realidad. Esto es importante para conocer las cosas, si no le daríamos comida de gato al perro que es pequeño con orejas puntiagudas por no saber que esto no quiere decir que sea un gato totalmente.

Por qué el ser humano necesita de su capacidad para mimetizar (imitar)?

2008-06-03T00:52:00.000-07:00

Desde los tiempos Platónicos y Aristotélicos se estudia el concepto de la mimesis y su propósito principal. Y desde hace mucho tiempo el término mimesis había sido totalmente referente al arte.
Platón determino la palabra Mimesis que significa imitar a la naturaleza. Este personaje exploro la esencia de imitar contemplando que es mimetizar. Para Platón mimesis es la representación de la naturaleza por algún medio artístico, el cual lleva a copiar algo que ya esta hecho y por lo tanto es una representación falsa de la realidad. Platón concebía a la verdadera creación a la cual realizaban los dioses y la manifestación de sus creaciones la primera realidad, mientras que la mimesis era la representación no verdadera de algo que ya estaba hecho, entonces era “realizarlo 2 veces todavía”.

Ahora, Aristóteles explico el propósito de mimetizar, el cual me ayuda a responder a la pregunta de porque el ser humano necesita de su capacidad para imitar. Para Aristóteles, imitar un objeto representándolo no es simplemente copiar el objeto existente, sino también es conocer el objeto y darle una valoración.

El ser humano necesita la capacidad de representación tanto como urge de la creatividad y la curiosidad. Pues al representar un objeto de la naturaleza, algo ya existente en el plano real, o imaginario, le esta dando una valoración artística de representación y también lo esta conociendo a partir del proceso de creación del objeto artístico y del producto final.

Al tomar un trabajo artístico, plástico o literario, el espectador se empalma del conocimiento perceptivo que el artista ha representado en su obra y es manifestado en esa imitación de la realidad para que el conocimiento se le contagie al espectador y la valoración que el artista le contemplo será compartida con el resto del mundo. Aparte de imitar como decía Platón, también nos conocemos a nosotros por medio de la representación como complemento Aristóteles.

¿Cuál es la diferencia entre Esencia y Apariencia?

2008-06-03T00:49:00.000-07:00

La discusión acerca de esencia y apariencia siempre esta en la mente de los filósofos. El mero termino de “Esencia” es en si mismo una problemática de definir. Aristóteles es el más citado acerca de la esencia. Al decir que algo es en si por ser y las características que lo definen (Forma) entonces se pude decir que esas son su esencia. En cambio Platón asegura que las el ser esta compuesto que fue realizado por el creador que es pleno y un ser esta creado por esencia y existencia.
La esencia puede ser descrita de muchas formas y en cambio mi comprensión mas simple es la naturaleza misma del objeto que se estudia. El ser contiene esencia y apariencia. Algunos filósofos como los metafísicos aseguran que es el alma en el hombre. Que constituye en si su carácter. Otros más escépticos, como los existencialistas, niegan esto y simplemente dicen que es solamente la existencia misma. Al nacer la esencia es incluida, esta puede referirse a un atributo o aspecto físico, la trayectoria de la persona o sus metas, o también puede ser el ilimitación infinita dentro del hombre que puede doblegarse, perderse o modelarse.

En si la esencia es una definición de lo que esta debajo de lo que aparenta el objeto. La función básica del objeto ayuda a entender la esencia de este. La palabra “ES” dice mas de lo que aparenta y es preferible a “QUE VES” por que allí juega también el papel de la apariencia donde la superficie de las cosas es la que demuestra una imagen construida de lo que en realidad se observa y es.

La apariencia es la superficie, el primer contacto que tenemos de los objetos y se dice que sigue de la acción de tocar. Donde se encuentra la esencia es debajo de la apariencia. Esta sirve como una ilusión. Por ello es llamada fenómeno. Ningún fenómeno puede ser un fenómeno sin haberlo observado.

Y aparece contrario ala realidad que podríamos llamar esencia.

Como dirían los aterciopelados:

El cuerpo es sólo un estuche y los ojos la ventana,

De nuestra alma aprisionada (oye)

Mira la esencia, no las apariencias (x1)

Que todo entra por los ojos dicen lo superficiales,

Lo que hay adentro es lo que vale

Siento en el aire, un aroma espiritual mensajeros alados

Intentando aterrizar, si abres el estuche lo que debes encontrar

Es una joya que te deslumbrará (hay pero)

Mira la esencia, no las apariencias (x2)

Los Cuatro Momentos de Emmanuel Kant: Análisis del Pino Salado

2008-06-03T00:48:00.000-07:00

Kant describe cuatro rasgos únicos que conforman al juicio estético sobre lo sublime llamados ‘momentos.’ Estos momentos tienen un orden muy marcado pues es diferente el tratar de comenzar con el último y llegar con el mismo juicio. Usare los mismos momentos para describir mi propio juicio estético sobre el Pino Salado (Tamarix ramosissima Ledeb) el cual he visto en la Laguna Salada. El pino en mi caso no parece pino pues nunca había considerado las características por las cuales se determina que tipo de vegetación es un pino he inclusive los mismos taxidermistas tienen problemas al determinar un pino salado. Pero para mi pareciera un arbusto alargado y en si un pino ‘feo.’ Pero para este mi razonamiento es por que ya tengo determinado mis propios cánones de lo que un ‘pino’ debe de parecer, si considero estos propios entonces es como si viese el rostro de un hombre en una mujer.
Ahora pasare a describir como llegue a este juicio estético paso por paso utilizando los cuatro momentos de Kant. El primer momento sucede cuando tomo el objeto y analizo las formas que contiene el pino. La forma general de este como viene de la tierra y se extiende hacia arriba con sus tallos alargados y hojas alargadas que parecerían cabellos. En sus puntas existen las flores que se presentan con más suavidad y delicadeza pues sus filamentos son más finos que todo lo demás. Pero la forma en total es asimétrica. Mi interés para hablar del pino viene el de desarrollar este ensayo y por lo tanto trato de obtener algo de el. El segundo momento dice que los juicios estéticos tienen un comportamiento universal. En esto esperamos que sea parecido al de otros también y que tengamos un acuerdo mutuo al objeto analizado. Tengo la afirmación de que el pino es ‘feo’ pues en si no parece pino como yo había contemplado a los pinos. Así yo pregunte a los demás que opinaban del pino y concordamos todos en respuesta que era ‘feo’ pues teníamos las mismas expectativas de lo que el pino debe ser. Pero si hablara con un botánico el me diría que por sus cualidades especificas estaría en contra de mi juicio. Así pasamos al tercer momento, el del problema del propósito y resolución. En este caso particular del pino salado tomo en cuenta que es un pino y por alguna razón se le concedió el nombre de pino. En si para mi parecería otra cosa y es un objeto de la naturaleza para la cual sirve un propósito. Pero sin conocerlo de antemano y sin poder observarlo con mis ojos entonces vengo ala suposición de lo que Kant llamo propósitos externos e internos. El pino acierta a ser parte de su medio ambiente al demostrar las características de la demás vegetación a su alrededor entonces es parte armonioso de lo que encuadra al panorama estético natural del desierto así este parece ser un elemento de toda la composición y no deja de ser un pino por sus características únicas.

En el ultimo momento del juicio estético Kant nos explica que los juicios deben pasar la prueba de ser ‘necesarios’. En esto entiendo que todos los juicios estéticos terminan en ser ejemplos de si mismos sin un propósito mas que ejemplificarse a si mismos. En el caso de mi juicio del pino salado en el cual determine que es simplemente un arbusto ‘feo’ cabe en lugar a que el sentido común corrobora lo mismo para justificarse a si mismo pues los prospectos de pinos ya están determinados en el juicio estético común de los demás al opinar en lo mismo. Pero retomando mas aspectos se puede decir que es parte de la composición desértica de la zona y toma otro sentido más adecuado a que no es solo eso sino concordé a su entorno y por lo tanto como diría Kant seria sublime.

Introducción al pensamiento Posmoderno infiriendo en las categorías estéticas de la Belleza y lo Sublime

2008-05-30T00:36:00.000-07:00

Introducción al pensamiento Posmoderno infiriendo en las categorías estéticas de la Belleza y lo Sublime.
El pensamiento posmoderno habla de lo sublime como la noción de la perfección de la sensación estética. Es inalcanzable en su propia búsqueda y no puede ser materializada pues no tiene forma alguna sin importar sus representaciones. El conjunto de manifestaciones que se puede considerar como sublime llega de lo Avant Garde, y en ese termino cae la fijación posmoderna de lo que es sublime. En si no puede alcanzarse y esto hace que caiga en la negación. La característica de lo posmoderno a lo bello es que no puede dejarse caer en la nostalgia de lo que antes se consideraba bello y tiene que buscar nuevos estímulos que no vengan del consenso general, no para disfrutar, si no para reforzar ese sentido de que es imposible la perfección en una sola forma siendo impresentable (Bertens, 133). Evaluando la búsqueda de lo sublime que se observa en el pensamiento moderno, el cual es nostálgico y ofrece al espectador la oportunidad para consuelo o placer, el Avant Gardistico de lo sublime que pide el posmoderno no demanda meramente la contemplación de lo bello, niega la presencia de buenas formas de representación en primera estancia para no recaer en el pensamiento general (Bertens, 133). Con esto podemos entender que el pensador posmoderno seguirá sus propios intereses con la motivación de la individualidad, tratando de satisfacer la necesidad estética de lo bello pero ala vez fallando en concebirlo. Al tomar los elementos que son considerados como perfectos ejemplos de lo sublime conmemorando primordialmente su elección, pues en esto solo no puede haber un criterio general que asista al papel del gusto, entonces todo el mundo esta solo cuando se trata de juzgar lo que es ‘bueno’. Dijo Lyotard en 1984 que debe declararse la guerra ala totalidad, al consenso y ala generalización. Contrario al pensamiento moderno donde se puede llegar a tener un consenso general sobre la idea de lo que puede ser bello en su totalidad, o por lo menos piensa que se puede concebir lo universal, en lo posmoderno existe la belleza democrática donde cada quien puede tener su propia concepción de lo que es bello y puede encontrárselo en cualquier manifestación hasta que esta se vea remplazada por la próxima, en el cual puede ser reprimido hasta que el sentimiento de negación aborde al pensador postmoderno y así lo lleve a lo nuevo, por que no tiene forma e impresentable, motivado por ese sentimiento contradictorio de reglas que es natural del caos y dialéctica del postmodernismo.

La realización del objeto sublime es imposible como se menciona arriba y por lo tanto también precede de forma alguna. En el pensamiento moderno la inhabilidad para la representación absoluta de lo sublime como dice Kant, nos hace darnos cuenta de la condición humana que todos poseemos y conlleva ala tristeza. En cambio esta condición humana que sigue presente en el postmodernismo que se encuentra en nuestras habilidades para no poder llegar al objeto sublime es lo sublime. Y esta presente en nuestra imaginación, en nuestra habilidad para sostener la contradicción sin esperar tristeza, frustración o regocijo. Ningún objeto sublime presentara esos sentimientos. Así lo sublime se convierte en cada objeto en el cual podemos experimentar esta imposibilidad y permanente falla para poder alcanzar lo sublime. El objeto mismo no puede ser creado en las artes pero puede que el sentimiento de lo sublime se manifestase sin que el objeto lo sea (Lutzker).

Lo sublime llevara al observador ala catarsis dejando atrás todo conocimiento que este tenga para poder describirlo abandonándonos solos con la imaginación. Para la cual se manifiesta sola en el campo de lo ético y lo estético, el espectador esta solo con sus valores y sabe donde se encuentra posicionado en el mundo, la razón contraria a esto lleva a saber lo que es bello siendo determinada por nuestro propio sentido de lo estético. Para el pensador postmoderno la experiencia misma es lo sublime meramente.

Bertens, Hans (1995). “The Idea of the Postmodern: A History”. London: Routledge.

Chien, Jana (1998). “Postmodern Theories and Texts”. 15 Oct., 1998. Extraído el 05 de Diciembre del 2007 desde http://www.eng.fju.edu.tw/Literary_Criticism/postmodernism/Lyotard_outline.html

Lutzker, Emily (1997). “Ethics of the Sublime in Postmodern Culture” 18 de Marzo de 1997. Una platica de la International Conference Aesthetics and Ethics. Extraído el 05 de Diciembre del 2007 desde http://www.egs.edu/mediaphi/Vol2/Sublime.html

Lyotard, Jean François (1984). “The postmodern condition: A report on knowledge”. University of Minnesota Press (Minneapolis). ISBN 0816611661

Lyotard, Jean-Francois (1985). “Note on the Meaning of 'Post-'". Docherty, Thomas, ed.